Cum sa faci un film scurt de animatie

Este ușor să fii interesat de animație, dar este dificil de stăpânit. Există cât mai multe stiluri de animație ca animatori și începând cu un film scurt este o modalitate excelentă de a practica tehnici de animație, pe măsură ce vă dezvoltați stilul caracteristic. Ca orice alt film, animația necesită timp, răbdare și o mulțime de planuri de a face bine, dar oricine are un computer poate face un scurt-metraj animat.

conținut

Pași
Metoda 1creați o animație (preproducere)
Metoda 2animați-vă filmul (producția)
Metoda 3finalizați filmul (postproducție)
Sfaturi
Avertismente

pași

Metoda 1
Creați o animație (preproducere)

Scrieți un script Acest lucru este adesea mai ușor de spus decât de făcut, dar trebuie să vă scrieți ideile în mod clar și să le dați structură înainte de a începe să lucrați. Spre deosebire de filmele cu imagine reală, este aproape imposibil "improviza" un film animat, deoarece durează pur și simplu prea mult pentru a anima totul. Aveți posibilitatea să utilizați un document Word sau un program de scriere script, cum ar fi Celtx, Duet Writer sau Final Draft. Scriptul dvs. nu are nevoie de dialog, dar are nevoie de următoarele:

O temă: Ce este "punct" din filmul scurt? Acest lucru nu trebuie să fie grandioasă, profundă sau complicată. Poate fi ceva de la "pierderea nevinovăției copiilor" sau "Plictiseala este o stare de spirit" în sus "Vreau să fac pe oameni să râdă cu această glumă". Gândește-te la asta ca la un principiu călăuzitor pentru filmul tău.
caractere: Ce va atrage atenția publicului? Acest lucru poate fi orice, de la o persoană sau un animal la o linie scârbă, ca în filmul de scurt metraj câștigat de Oscar Punctul și linia: romantismul în matematica de bază.
imagini: Unde are loc filmul scurt? Care este atmosfera sau atmosfera? Un scenariu trebuie să spună complet povestea scurtmetrajului, astfel încât să poată fi folosit ca un plan pentru munca viitoare.
Un început, un mijloc și un sfârșit: Se pare evident, dar acesta este punctul. Aproape toate povestile sunt spuse în trei părți sau acte specifice și delimitate. Acest lucru nu înseamnă că ar trebui să aveți o poveste de trei acte sau chiar personaje. Cu toate acestea, trebuie să planificați acțiunea filmului scurt înainte de a merge mai departe.

Primul act prezintă personajele unei probleme (ei sunt foame, lumea se epuizează, băiatul îi place fetei etc.).
Al doilea act complică povestea sau problema (toate magazinele sunt închise, tipul rău poate câștiga, fată are deja un prieten etc.).
Al treilea act oferă o rezolvare a problemei (găsiți un magazin de sandvișuri, salvați lumea, băiatul cunoaște o altă fată etc.).

Faceți schițe de modele de caractere. Înainte de a începe să animați, trebuie să știți cum vor arăta personajele dvs. Faceți schițe din ele într-o varietate de poze, costume și expresii pentru a obține o idee despre cum vor arăta. Amintiți-vă că un personaj poate fi orice într-un film animat, de la un urs la un sărat de sare și un shaker de piper. Chiar și așa, trebuie să-ți dezvolți personajele în avans, astfel încât ele să arate mereu la fel când le animi.

Creați un storyboard Storyboards sunt desene individuale pentru fiecare piesă de acțiune din scenariu și sunt folosite în producția de aproape toate filmele, animate sau nu. Ele sunt simple și extinse, deoarece este nevoie de fiecare schimbare pe care o doriți în film. Cu toate acestea, nu au nevoie de detalii de fundal sau de culoare decât dacă sunt esențiale pentru poveste. Puteți găsi și imprima o varietate de Șabloane gratuite pentru storyboard-urile online sau să le atrageți singuri. Fiecare cadru al storyboard-ului are două părți:

Imaginea: într-o cutie dreptunghiulară, trageți acțiunea principală a filmului ignorând imaginile de fundal pentru moment. De asemenea, puteți desena note sau săgeți pentru a indica mișcarea.

Dialogul: dedesubt, scrieți ce trebuie spus în fotografie, lungimea propusă a împușcăturii și orice efect (concentrați-vă pe ceva cu zoomul, camera neclară etc.).

Importați storyboard-ul dvs. într-un program de producție video, salvând fiecare cadru individual. Odată ce aveți fotografiile planificate, le importați la computer. Asigurați-vă că le numiți în mod corespunzător (Act1.Scene1.Toma1.jpg, de exemplu). Când ați terminat, importați-le pe toate în software-ul dvs. de editare video (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects etc.) și plasați-le în ordinea corectă.

Adobe AfterEffects sau Premier sunt considerate standarde ale industriei, dar puteți folosi orice program cu care vă simțiți cel mai bine.

Utilizați tabloul de bord pentru a realiza o expunere de diapozitive temporizată sau animație. Animațiile sunt montajele aproximative ale animației. Ele îmbină ritmul filmului scurt și permit să se petreacă timpul potrivit pentru filmul final. Acest lucru pare complicat, dar în realitate ele sunt doar spectacole de diapozitive cu un timp corespunzător. Plasați imaginile storyboard în ordine în software-ul dvs. de editare și extindeți-le, tăiați-le și experimentați-le până când aveți o montaj "aproximativ" din filmul final.

Puteți găsi exemple de animații online, cum ar fi animația pentru videoclipul muzical din Feel Good Inc. de la grupul Gorillaz, precum și unele animații din studiourile Pixar.

Aproape toate filmele animate sunt realizate din animație. În caz contrar, aveți riscul de a petrece ore complet animând o scenă care trebuie să se schimbe, să se prelungească sau să se scurteze sau să se elimine.

Adăugați dialog și efecte sonore și reglați timpul animat după cum este necesar. Odată ce ați determinat măsurarea aproximativă a timpului, este timpul să preînregistrați dialogul. Acest lucru nu trebuie să fie perfect și puteți pretinde chiar și efectele sonore cu gura și mâinile, dacă doriți. Ceea ce contează este măsurarea timpului. Aveți timp suficient pentru a spune toate cuvintele? Extindeți sau scurtați lungimea diapozitivelor după cum este necesar.

Cu cât dialogul poate fi mai aproape de perfecțiune, cu atât mai bine, deoarece cea mai mare parte a performanței vocale bune necesită o măsurare adecvată a timpului. Având în vedere acest lucru, acum nu este momentul să vă faceți griji cu privire la intrările și ieșirile vocii. Trebuie să terminați animația înainte de a trece la producția completă.

Verificați animația ca și cum ar fi fost filmul final. Filmul final trebuie să spună întreaga poveste a filmului dvs. minus culoarea, fundalul și detaliile.

Dacă știți despre editare video, puteți adăuga fotografii panoramice, măriți și adăugați tranziții în acest moment pentru a le testa înainte de editarea finală.

Luați în considerare cumpărarea unui comprimat. Tabletele sunt computere mici care vin cu un stilou electronic cu care poți "trage" direct pe computer. Desenul bine cu mouse-ul este aproape imposibil, și dacă nu intenționezi să faci mici proiecte sau lucrări de animație pe cadru, vei avea aproape sigur o tabletă.

Metoda 2
Animați-vă filmul (producția)

Determinați mijloacele de animație. Aceasta depinde, de obicei, de experiența și de instrumentele. De exemplu, este foarte dificil, dacă nu imposibil, pentru un începător cu un computer mai vechi de a face animații 3D precum Pixar. Există multe stiluri de software și animație și toate au complexități și tehnici unice pentru fiecare.

2D animație: Acesta este aspectul clasic al caricaturii desenate manual. Caracterele sunt desene liniare plate. Inițial, au fost desenate în cadru, dar acum există o varietate de aplicații software care fac procesul mult mai rapid, cum ar fi Synfig, Pencil2D, ToonBoom sau chiar Adobe Photoshop. În mod tradițional, pentru fiecare secundă a filmului sunt folosite 12 - 24 de desene.
Animație 3D: Animația 3D este similară cu modelele folosite în jocuri video și filme asemănătoare Toy Story și Shrek și este mult mai greu să stăpânești. Aici sunt create modele ale personajelor și mișcarea este codificată în ele, ceea ce face animația 3D un fel de hibrid între artă și codificare. De asemenea, trebuie să adăugați iluminare și texturi. Software-ul 3D poate fi folosit, dar este nevoie de mult timp și necesită software cum ar fi AutoDesk, Poser Pro, Aladin sau Sketchup. Cea mai mare parte a animației 3D este rezultatul unor echipe excelente care lucrează împreună.
Cadru de animație pe cadru: Atât de simplu încât oricine poate să o facă, cadrul de animație cu cadru este atunci când utilizați figuri sau desene din viața reală și faceți o fotografie după fiecare mișcare mică. Atunci când imaginile sunt reproduse unul în spatele celuilalt la viteze mari, ele simulează mișcarea. Cu toate acestea, acest lucru consumă o cantitate incredibilă de timp, de câte ori sunt necesare mai mult de 12 fotografii pe secundă de imagini pentru a face să pară fluidă. Puteți folosi decupaje, modele plastiline, desene individuale sau persoane reale pentru a realiza acest tip de animație.
rotoscoping: o formă specializată de animație găsită în filme ca O privire la întuneric, rotoscopia este de a anima despre filmele filmate în mod convențional. Pentru a face acest lucru, aveți nevoie de o tabletă și examinați cadrul cadru cu cadru, utilizând videoclipul ca ghid pentru a desena caracterele. Rezultatul este un aspect realist, dar cu toate acestea animat.

Desenați fundalul. Începeți cu scenariile, deoarece personajele sunt suprapuse peste ele. Fundalul trebuie să fie tot ceea ce personajele ele nu interacționează, deoarece tot ce se mișcă ar trebui animat. Fundalul trebuie să fie un desen mare și scanat la o rezoluție înaltă. Deci poți "concentra" anumite secțiuni fără a le distorsiona. De exemplu, dacă aveți două caractere vorbind într-o cantină, ar trebui să desenați întreaga cantină în spatele lor. Cu toate acestea, poate doriți "aparat foto" Concentrați-vă pe fiecare personaj în timp ce vorbește individual. În loc să redrafli fundalul din spatele acestui caracter, putei copia și introduce o secțiune mai mică din fundalul detaliat pentru "Closeups".

Faceți schițe, modele sau desene "cheie reprezintă". Care sunt pozițiile esențiale ale personajelor tale sau acțiunile care le caracterizează în scenă? Gândiți-vă la ele ca la "destinații" pentru fiecare piesă de mișcare. De exemplu, un personaj care se pregateste sa pumn. Puteți împărți acest lucru în trei "cheie reprezintă", fiecare dintre acestea trebuie să fie desenată și salvată separat.

Reprezentarea cheie 1 = În repaus. Ar putea fi o față de surpriză, de furie sau de determinare, sau pur și simplu de caracter cu mâinile la marginea lui.

Reprezentare cheie 2 = Pregătire. Cum își întoarce personajul brațul înapoi? Nu vă faceți griji încă despre mișcarea pentru a ajunge la această poziție, doar trageți-o cu brațul înapoi și gata să o eliberați.

Cheia reprezintă 3 = sfârșitul. Unde se termină caracterul imediat după punch? Brațul dvs. va fi expus și corpul dvs. va termina probabil mișcarea. Din nou, concentrați-vă asupra poziției finale, nu a imaginilor când mâna se mișcă.

În timp ce mai multă cheie reprezintă o remiză, mișcarea va fi mai complexă. De exemplu, puteți adăuga poze-cheie ale personajului cu fața stupefiată, făcând un pumn cu mâna, aruncând cotul, învârtindu-vă brațul, prinzând și apoi întorcându-vă la sfârșitul mișcării.

Desenați imaginile "intermediar". De exemplu, în cazul pumnului, cum ai ajuns de la o cheie la alta? Există unele programe avansate care o fac automat. Odată ce modelele personajelor au fost create, software-ul "joacă" mișcarea intermediară în mod automat. Cu toate acestea, dacă începi, probabil că va trebui să-ți desenezi manual pozele. Cele mai multe imagini pe care le desenați, acțiunea va fi mai fluidă.

Poate fi util să plasați cadrele cheie pe ecran ca ghidaje. Acest lucru vă va ajuta să vedeți unde trebuie să luați personajele și de unde au început.

Dacă ceva nu se mișcă, nu vă deranjează să îl reprogramați. Copiați și inserați cadranul cheie, ștergeți partea care trebuie mutată și păstrați totul în locul în care a fost.

Compuneți materialul video. Compunerea este doar o modalitate elegantă de a descrie procesul de lovire a filmului. Acest lucru poate fi la fel de simplu ca și sortarea tuturor cadrelor pentru cadrul de animație cu cadru sau la fel de complicat ca și jocul unui model 3D cu iluminarea corectă. Din nou, metoda dvs. de animație va determina cum veți face ceva:

Pentru animația 2D, compunerea înseamnă a face mișcarea să pară fluidă. Software-uri precum ToonBoom o fac automat și pot fi apelate "reproduce".

Pentru animația 3D, trebuie să știți că durează mult timp. Efectele de lumină și texturile sunt dificil de programat și chiar și cele mai rapide calculatoare pot dura ore pentru a compune un videoclip.

Pentru animația cadru-cu-cadru, ar trebui să experimentați lungimea cadrelor și să ajustați fotografiile la o zecime sau o sută de secundă pentru a obține o mișcare fluidă.

Metoda 3
Finalizați filmul (postproducție)

Înregistrați orice dialog pentru filmul final. Acum, când aveți animația aproape terminată, este timpul să vă asigurați că vocile merg bine. Actorii dvs. de voce pot vedea scena finală, expresiile personajelor lor și măsurarea timpului dorit în ultima lovitură. Acest lucru le va permite acestora sau dumneavoastră să dați cea mai bună performanță vocală.

Rețineți că, în acest moment, orice schimbare în animație ar putea necesita mult timp. De aceea, pre-producția atentă este esențială pentru un film animat de orice lungime.

Adăugați efectele de sunet, dacă este cazul. Efectele sonore ar trebui să vină după actorii de voce și să fie ajustate la un volum adecvat în cazul în care nu copleșesc dialogul. Există câteva excepții de la această regulă, desigur. De exemplu, dacă există o explozie la care personajele trebuie să reacționeze, ar fi mai bine să o puneți înainte de înregistrarea dialogului. Acest lucru ajută actorii cu reacțiile.

Amestecarea audio este o formă de artă importantă și subtilă. Investiți într-o pereche bună de căști sau difuzoare pentru a regla toate volumele corect.

Editați filmul până veți obține viziunea finală. Acum că aveți întregul film împreună, cum arată? Este posibil ca unele dintre tranziții să pară aspre și că una sau două scene sunt mai lungi decât ar trebui să fie. Așa cum ați putea edita orice film de imagine reală, trebuie să vă uitați la piesa animată cu ochi critici și să o lustruiți până când strălucește. Deși nu există nici un fel "dreapta" pentru a edita un film, există câteva principii pe care trebuie să le țineți cont:

Scena se simte rapidă și esențială? Te simți implicat tot timpul? Are o anumită linie sau o împușcătură pentru a avansa povestea sau tema? Dacă răspunsul la oricare dintre aceste întrebări nu este, începeți tăierea. Adesea, prima și ultima linie a dialogului este superfluă, deoarece intrarea sau ieșirea directă dintr-o scenă este de obicei mai captivantă. Fiecare cadru se numără atunci când se editează.

Urmăriți filmul cu cineva care este departe de proiect. Au fost părți unde te-ai plictisit? Te-a confundat ceva sau ai nevoie de mai mult timp? Cum îți poți edita povestea pentru a face cât mai fascinantă posibil?

Cum a scufundat scena? Uneori, 2 sau 3 secunde de imagini de fond ajută spectatorul să-și prindă respirația și să se scufunde în scena următoare înainte de începerea dialogului.

Adăugați atingeri pentru a lustrui, cum ar fi efecte, tranziții și corectarea culorii. De exemplu, dacă doriți o nuanță de sepia și nuanță pentru filmul dvs., adăugați-l la sfârșit. Aceste tipuri de mici modificări sunt inutile în timp ce editați și construiți filmul. De asemenea, ele vor fi inutile dacă editați scena sau schimbați schema de culori. Toate aceste atingeri minime trebuie să meargă până la sfârșit, odată ce sunteți sigur că "enigmă" a filmului este terminat.

Adăugați măturări, dizolvări sau dispare la tranzițiile dintre scene.

Adăugați un filtru sau un efect asupra materialului filmat.

La sfârșitul tuturor, adăugați titluri și credite la început și la sfârșit, după cum este necesar.

sfaturi

Ia-ți timp în preproducere. Aceasta vă va salva o mulțime de dureri de cap mai târziu.
Faceți un film de testare, nu mai mult de 20 până la 30 de secunde, dacă începeți cu software-ul nou. Acest lucru vă va ajuta să învățați programul și provocările acestuia înainte de a vă scufunda în viziunea voastră.
Lucrați pe bucăți mici pentru a obține cele mai bune rezultate (o scenă, o acțiune, etc.) și să vă alăturați mai târziu.